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四位藝術家就繪畫問題展開對話
有關藝術的性質及概念問題，自20世紀60年代圍繞杜尚的作品《泉》進行不斷的探討以來，一直沒有定論。作為藝術的一種，架上繪畫發展到今天，其性質、地位，以及評判標準也與以往大不相同。在當代語境下，我們又該如何重新審視架上繪畫呢？6月7日下午，北京市海淀區中間美術館內，袁佐、馬可魯、馬樹青及倪軍等四位藝術家展開了關于該主題的對話。該談話由袁佐主持，談話中針對有關架上繪畫藝術在當代語境下的地位及語境問題，四位藝術家發表了不同的觀點和見解。
馬樹青：好的繪畫應該盡可能多地體現創作過程
談話首先由馬樹青發言，他認為架上繪畫的意義問題是每個藝術家都該加以追問的基本問題。繪畫藝術產生之初，作為一種詮釋文學和宗教的工作，以一種載體的形式得以保留。他從“看繪畫”與“讀繪畫”的區分開始，認為繪畫有著觸摸式和思考式兩種欣賞方式，當代架上繪畫應該成為純粹觀看的藝術。在這個轉化中，盡可能多地在作品中呈現畫家創作的過程至關重要。“繪畫不是靠知識，而是靠耐心”，他說道。對于繪畫概念的問題，他從繪畫史的發展歷程著手，揭露了繪畫史演進中對傳統進行顛覆的重要性。從這個意義上講，繪畫是一種顛覆，一種在有限的形式規則束縛下對無限的可能性的追求。
袁佐：藝術既是本能的、直覺的，又離不開工匠的技術性
關于繪畫的概念問題，袁佐教授從西班牙和法國的洞窟壁畫開始，談到了繪畫是人類的一種本能性需求，是普適于全人類的審美經驗。他認為繪畫一方面有著工匠的技術性，從這個角度講繪畫不是一門學問，而是一種技術，但當畫家對此不滿足，而是追求藝術性時，人類就過度到了另一種文化狀態，而這跟文化判斷是有著緊密關系的。針對繪畫的概念問題，四位藝術家談到了自閉癥兒童的繪畫，袁佐教授認為這些作品有著極為強烈的主觀性，繪畫藝術的主觀性是所有理念與觀點中主動性和主觀性的代表。而藝術的主觀性又來源于藝術家豐富的閱歷，這些閱歷既包括人生、生活的閱歷，也包括藝術創作的閱歷和體驗。他說：“站在畫布前的一剎那很享受。”他認為繪畫帶給人一種愉悅感，而繪畫的結果卻是帶有偶然性的。歸根結底，繪畫是本能、天性的，是不可控與如何限制之間的一種相互制約。
馬可魯：繪畫是一種令人著迷的觀看方式，同時需要哲學思考和邏輯
馬可魯認為繪畫從古至今就是一種基本表達方式，而今卻在一定程度上面臨著繪畫實踐的危機。他希望自己的作品能夠成為第二自然，是一種自然生成的結果。繪畫在他眼里能夠給人帶來一種不可言說的感受。繪畫的樣式多種多樣，這與審美經驗及觀看方式有關，而繪畫所具有的令人著迷的特性卻是共通的。在繪畫的創作方面，他說到自己從不為展覽繪畫，他認為這是一種功能性繪畫，而不是真正的架上繪畫。他提出“繪畫是一種病態的偏執”的觀點。他堅持繪畫的自然特色，主張繪畫的整個過程應該是開放的，作品本身也應該是不落痕跡的。一個畫家在創作時進入一種感知狀態，在這個過程中畫家需要一定的哲學思考和邏輯。
倪軍：架上繪畫沒有死亡，它就像美麗女性
倪軍的談話比較有概括性，結合藝術史的發展，他談到了有關加上繪畫消亡的問題。他認為架上繪畫沒有死亡，它就像美麗女性一樣在如今仍然有著強大的生命力。地球有著148.2億年的漫長歷史，從人類之初就有繪畫行為，而繪畫發展到至今又已經成為了什么樣的行為呢？他認為繪畫作為一種觀看之道，是一種“自洽”的行為，能夠給人帶來感覺上的愉悅。對他而言，繪畫應該成為藝術家生活和生命的一部分。他結合自閉癥兒童畫問題，談道：“繪畫的神秘在于自己進入到其中，親自體驗過其中的夢幻和魅力，它就像戀愛一樣不會死亡。”同樣，他也認為繪畫的結果是不能預知的。
此次沙龍談話中，四位藝術家在表達個人觀點的過程中，不時流露出自己對于藝術創作的癡迷和熱愛。當馬樹青說道“堅持40年是一種幸福”時，馬可魯頗為興奮地應道“如果不幸福，我還畫畫做什么？”可見他們對于架上繪畫的情感之深，架上繪畫儼然成為了他們生命的一部分。（文/劉全）
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